Native Best
Moda original

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Native Best

By Alejandra O’Connell | Voices of NY

Jamie Okuma (Luiseño and Shoshone-Bannock), boots, 2013–14. Glass beads on boots designed by Christian Louboutin. Museum commission with support from Katrina Carye, John Curuby, Karen Keane and Dan Elias, Cynthia Gardner, Merry Glosband, and Steve and Ellen Hoffman. Photo: Walter Silver.

Jamie Okuma (Luiseño and Shoshone-Bannock), boots, 2013–14. Glass beads on boots designed by Christian Louboutin. Museum commission with support from Katrina Carye, John Curuby, Karen Keane and Dan Elias, Cynthia Gardner, Merry Glosband, and Steve and Ellen Hoffman.
Photo: Walter Silver.

As Fashion Week comes to an end, so, coincidentally, does the tour of “Native Fashion Now,” the country’s first large-scale traveling exhibit of Native American Fashion.

The collection of nearly 70 pieces, most of them modern work from Native American designers, now goes on display at the National Museum of the American Indian (NMAI) in New York until Sept. 4th.

Notwithstanding the museum setting, the vibrant works offer a sharp rejoinder to typical views of Native American dress and a telling rebuke to clothing designers and manufacturers who seek to appropriate cultural images.

“We are not just relics of the past, we are not just museum pieces to be admired,” said Martha Redbone, a singer of Cherokee, Shawnee, and Choctaw heritage who attended the exhibit’s press preview. “We are actually living, thriving people, artisans who have a message.”

Cultural appropriation of indigenous clothing and designs is commonplace in the fashion world. In 2012 model Karlie Kloss donned a feather headdress during a Victoria’s Secret fashion show. According to Walter Fleming, a professor of Native American Culture and History at the University of Montana, headdresses, or war bonnets, are very powerful status symbols in many native communities. “They have to be earned and are gender specific,” said Fleming.

The choice to have a female model casually parade with a war bonnet was seen as offensive and a backlash against Victoria’s Secret quickly ensued. According to Professor Fleming, embarrassment and pain could have been easily avoided if a designer or curator had simply spoken to a native person.

The museum is located in Manhattan.

The museum is located in Manhattan.

When U.K-based brand KTZ debuted its Fall/Winter collection during 2015 Fashion Week the pieces were described as tributes to indigenous peoples. But according to Adrienne Keene, creator of the blog Native Appropriations and Brown University professor of American Studies and Ethnic Studies, KTZ clothing was inappropriate because of its misuse of Northern Cheyenne/Crow patterns. In her blog Keene states that the brand copied the work of native designer Bethany Yellowtail.

Bethany Yellowtail (Apsáalooke [Crow] and Northern Cheyenne) for B Yellowtail, Old Time Floral Elk Tooth dress, Apsáalooke Collection, 2014. Lace, leather appliqué, and elk teeth. Photo: Thosh Collins

Bethany Yellowtail (Apsáalooke [Crow] and Northern Cheyenne) for B Yellowtail, Old Time Floral Elk Tooth dress, Apsáalooke Collection, 2014. Lace, leather appliqué, and elk teeth.
Photo: Thosh Collins

“Bethany’s design is not just a collection of abstract shapes, she utilized Crow beadwork that had been in her family for generations for her design,” said Keene in her blog. “The colors, the shapes, and the patterns have meaning, origins, and history. They belong to the family and the tribe. They are cultural property, not designs just free for the taking.”

The curator of Native Fashion Now, Karen Kramer, wants the exhibit to show the diversity of native design. When the topic of Native American Fashion arises Kramer does not want people to immediately imagine buckskin and fringe.

“I want people to understand that Native fashion designers are defining for themselves what native fashion is and what native fashion can be,” said Kramer.

The exhibition has four themes—Pathbreakers, Revisitors, Activators, and Provocateurs. Each one reflects how designers are responding to ideas and trends in the Native Fashion world and native communities.

The artist behind the native-owned and operated clothing line OxDx, Jared Yazzie, is one of the featured artists and uses his T-shirts to promote activism. Black T-shirts with the words “Native Americans Discovered Columbus” and “Mis-Rep” hang in the exhibition – an attempt at rethinking history and breaking stereotypes.

“There are stories behind all of it,” said Yazzie in reference to patterns, like the Navajo basket design, he incorporates into his work. “Who better to tell it than native designers?”

The National Museum of the American Indian (NMAI) in New York is located at the Alexander Hamilton U.S. Custom House at One Bowling Green, New York, NY 10004. For more information, please visit http://s.si.edu/1sOHPf6 or call 212.514.3700.

Moda original

Por Alejandra O’Connell | Voices of NY

David Gaussoin and Wayne Nez Gaussoin (Diné [Navajo]/ Picuris Pueblo), Postmodern Boa, 2009. Stainless steel, sterling silver, enamel paint, and feathers. Courtesy of David Gaussoin and the Museum of Indian Arts and Culture. Model: Tazbah Gaussoin.

David Gaussoin y Wayne Nez Gaussoin (Diné [Navajo]/ Picuris Pueblo), Postmodern Boa, 2009. Acero inoxidable, plata esterlina, pintura de esmalte y plumas.
Cortesía de David Gaussoin y el Museo Artes y Cultura Indias. Modelo: Tazbah Gaussoin.

Mientras la Semana de la Moda llega a su fin, también, por coincidencia, lo hace la gira de “Native Fashion Now”, la primera exposición itinerante a gran escala del país de la moda de los nativos americanos.

La colección de casi 70 piezas, la mayoría de ellas trabajos modernos de diseñadores nativos americanos, está en exhibición en el Museo Nacional del Indio Americano (NMAI, por sus siglas en inglés) en Nueva York hasta el 4 de septiembre.

A pesar del escenario del museo, las vibrantes obras ofrecen una dura réplica a las vistas típicas del vestido de los nativos americanos, y una reprimenda a los diseñadores de prendas de vestir y los fabricantes que buscan apropiarse de las imágenes culturales.

“No somos solo reliquias del pasado, no somos solo piezas de museo que hay que admirar”, dijo Martha Redbone, una cantante de herencia Cherokee, Shawnee y Choctaw, quien asistió a la exhibición de la prensa. “En realidad somos un pueblo próspero y de artesanos que tiene un mensaje”.

La apropiación cultural de la indumentaria y los diseños autóctonos es común en el mundo de la moda. En 2012 la modelo Karlie Kloss usó un tocado de plumas durante un desfile de modas de Victoria’s Secret. Según Walter Fleming, profesor de Cultura e Historia de los Nativos Americanos de la Universidad de Montana, los tocados o gorros de guerra son símbolos de estatus muy poderosos en muchas comunidades nativas. “Tienen que ser ganados y son específicos por género”, dijo Fleming.

La elección de tener una modelo desfilando casualmente con un sombrero de guerra fue visto como ofensivo y una reacción contra Victoria’s Secret rápidamente se produjo. Según el profesor Fleming, la vergüenza y el dolor podrían haberse evitado fácilmente si un diseñador o curador hubiera hablado simplemente con una persona nativa.

Orlando Dugi (Diné [Navajo]), cape, dress, and headdress from "Desert Heat" collection, 2012. Silk, organza, feathers, beads, and 24k gold; feathers, beads, and silver; porcupine quills and feathers. Model: Julia Foster. Hair and makeup: Dina DeVore. Photo by Nate Francis/Unék Photography

Orlando Dugi (Diné [Navajo]), capa, vestido y tocado de la colección “Desert Heat”, 2012. Seda, organza, plumas, cuentas y oro de 24k; plumas, cuentas y plata; espinas de puercoespín y plumas. Modelo: Julia Foster. Cabello y maquillaje: Dina DeVore.
Foto por Nate Francis/Unék Photography

Cuando la marca KTZ, del Reino Unido, debutó en su colección Otoño/Invierno durante la Semana de la Moda 2015, las piezas fueron descritas como homenajes a los pueblos indígenas. Pero de acuerdo con Adrienne Keene, creadora del blog Native Appropriations y profesora de Estudios Americanos y Étnicos de la Universidad de Brown, la ropa KTZ fue inapropiada debido a su uso indebido de los patrones Cheyenne del Norte/Crow. En su blog, Keene afirma que la marca copió el trabajo de la diseñadora nativa Bethany Yellowtail.

“El diseño de Bethany no es sólo una colección de formas abstractas, utilizó el trabajo de cuentas Crow que ha estado en su familia durante generaciones para su diseño”, dijo Keene en su blog. “Los colores, las formas y los patrones tienen significado, orígenes e historia. Pertenecen a la familia y a la tribu. Son bienes culturales, no diseños simplemente gratuitos que pueden tomarse”.

Margaret Roach Wheeler (Chickasaw) for Mahota Handwovens, The Messenger (The Owl) cape and headpiece, from the Mahotan Collection, 2014. Silk-wool yarn; silk-wool yarn, metal, silver, glass beads, and peacock feathers. Courtesy of the designer. Photo: Greg Hall

Margaret Roach Wheeler (Chickasaw) para Mahota Handwovens, The Messenger (The Owl) capa y casco, de la colección de Manhattan, 2014. Hilo de seda-lana; hilados de lana de seda, metal, plata, cuentas de vidrio y plumas de pavo real. Cortesía del diseñador.
Foto: Greg Hall

La curadora del Native Fashion Now, Karen Kramer, quiere que la exhibición muestre la diversidad del diseño nativo. Cuando surge el tema de la moda nativa americana, Kramer no quiere que la gente se imagine de inmediato piel de ante y flecos.

“Quiero que la gente entienda que los diseñadores de moda nativos están definiendo para sí mismos lo que es y puede ser la moda nativa”, dijo Kramer.

La exposición tiene cuatro temas: Pathbreakers, Revisitors, Activators y Provocateurs. Cada uno refleja cómo los diseñadores están respondiendo a las ideas y tendencias en el mundo de la moda nativa y las comunidades nativas.

El artista detrás de la línea de ropa -propiedad de y operada por nativos- OxDx, Jared Yazzie, es uno de los artistas destacados, y utiliza sus camisetas para promover el activismo. Camisetas negras con las palabras “Native Americans Discovered Columbus” (nativos americanos descubrieron Columbus) y “Mis-Rep” cuelgan en la exposición, en un intento por repensar la historia y romper los estereotipos.

“Hay historias detrás de todo”, dijo Yazzie en referencia a los patrones, como el diseño de la canasta navajo, que incorpora en su trabajo. “¿Quién mejor para decirlo que los diseñadores nativos?”.

El Museo Nacional de los Indios Americanos (NMAI, por sus siglas en inglés) en Nueva York se encuentra en la Aduana Alexander Hamilton de los Estados Unidos en One Bowling Green, Nueva York, NY 10004. Para obtener más información, por favor visite http://s.si.edu/1sOHPf6 o llame al 212.514.3700.